sábado, 31 de julio de 2010

La película del mes

Pesadilla en Elm Street ****
(A nightmare on Elm Street)

Todo el mundo conoce a Freddy


1-2 Freddy viene a por ti
3-4 cierra la puerta
5-6 coge tu crucifijo
7-8 permanece despierto
9-10 nunca más dormirás

La carrera de Wes Craven, a mi juicio, es una de las que mayores y más preocupantes altibajos (con permiso de Tobe Hooper) presenta dentro del género de terror. Revolucionó la década de los 70 con dos películas que, a día de hoy, han perdido totalmente la capacidad de sorpresa y resultan incluso ridículas, “Las colinas tienen ojos” y “La última casa a la izquierda”. Se ha metido, con desigual fortuna, en el drama con “Música del corazón”, pero ha tenido grandes momentos con “La serpiente y el arcoíris”, que sí que ha resistido bien el paso del tiempo. Y flirteó con el thriller en la tensa “Vuelo nocturno (Red Eye)”. Pero a la vez, Craven es un realizador capaz de reinventarse a sí mismo, resurgiendo cual Ave Fénix de sus cenizas. Así lo demostró en los 90, una década desastrosa en su filmografía, salvada gracias al nacimiento de la inteligente saga, al menos en sus dos primeras entregas, “Scream”.

Sin embargo, si por algo debo reverenciar a este señor es por haber creado a todo un icono del género de terror, Freddy Krueger, que supondría su primera salvación personal del olvido cinematográfico tras unos comienzos prometedores para crítica y público. Su estela se apagaba, y la hizo brillar otra vez la idea de este asesino sobrenatural que mata en las pesadillas, surgida de una noticia de finales de los 70 en la cual un grupo de jóvenes murieron mientras dormían en extrañas circunstancias. Otras fuentes aseguran que fue la historia de un chico camboyano lo que inspiró el filme. El adolescente dijo que sus pesadillas eran anormalmente reales y horribles, y falleció entre gritos de dolor cuando dormía sin esclarecerse la causa de la muerte. La leyenda dice también que Craven vio a un hombre robando su casa, con el rostro quemado y el mismo jersey a rayas del personaje, y le causó tanto impacto que le sirvió de inspiración. Otros aseguran que el personaje surge como una mezcla de un niño, de nombre Freddy Krueger, que le hacía la vida imposible de pequeño y de un hombre de aspecto siniestro que al parecer sólo él podía ver y que disfrutaba acechándole en la oscuridad y asustándole.

Tras el éxito de “La noche de Halloween” y “Viernes 13” comenzaron a surgir productos slasher con más o menos acierto. De todos ellos, el más original dada su componente sobrenatural y onírica fue precisamente “Pesadilla en Elm Street”, que vino justo cuando el género comenzaba a decaer en la serie Z más espantosa. Paradójicamente, fue el mismo Craven, con ayuda de un alumno aventajado y extremadamente cinéfago llamado Kevin Williamson, quien revitalizó el género con fuerza con la saga “Scream”, que daría lugar a una larga lista de productos similares. Pero antes de que Freddy se adueñara de nuestras pesadillas había que vender la idea a las productoras, como suele ser costumbre. Y como suele ser todavía más habitual, todas rechazaron la propuesta, acusándola de pertenecer a un género con los días contados, salvo New Line Cinema, que en aquellos años se dedicaba a la distribución más que a la producción de cine independiente y que se encontraba en quiebra. Y fue precisamente el productor Robert Shaye quien vio potencial en el producto que Craven traía bajo el brazo. Inicialmente, el presupuesto que Shaye ofrecía era de 100.000 dólares, una cantidad imposible para plasmar en imágenes aquel guión. El productor se las ingenió para encontrar inversión externa y finalmente la película costó 1.8 millones de dólares, de los cuales solamente 50.000 dólares irían destinados a los efectos especiales.





Llega aquí uno de los puntos fuertes de la cinta, el maquillaje y los efectos especiales. Recrear las pesadillas en las que Freddy acaba con sus víctimas exigía un trabajo artístico y técnico notable y David B. Miller y Louis Lazzara debían estar a la altura de las circunstancias. Gracias a ellos se lograron secuencias tan impactantes como la de la bañera (se construyó un tanque bajo ella), la sangre emanando de la cama (se rodó con el decorado boca abajo y la cámara puesta al revés, de manera que se vertía la sangre desde el techo, donde estaba situada la cama) o la lengua en el teléfono, cuyo secreto es aún desconocido, pues Craven se niega a desvelarlo. Eso sí, asegura que le costó solamente 5 dólares. Y es que “Pesadilla en Elm Street” queda grabada en la retina del espectador por sus originales muertes, justificadas gracias al universo onírico que presenta y en el cual todo es posible.



Pero por supuesto, si algo permanece imborrable en todo aquel que la ve es ese rostro del psychokiller, cuyas facciones han causado terror a generaciones de espectadores desde entonces. Unas facciones que, por cierto, deberían resultar familiares a todos, pues fueron inspiradas gracias a una pizza que Miller comía en un local. Y a pesar de que no le vemos del todo la cara en esta primera película, continúa siendo igual de amenazante y aterrador. Ese juego de sombras sobre el personaje que impide que su cara no se muestre en todo su esplendor hasta las secuelas posteriores, donde el maquillaje estaba mejor conseguido, fue idea del mismo actor que lo interpreta, Robert Englund, que hizo suyo el rol desde antes de ser elegido para el papel. De hecho, fue gracias a su caracterización, a medio camino entre macabra y sarcástica, dotada de un humor muy negro, que Craven le escogió tras estar considerando a otro actor que se presentó a la prueba. Podemos concluir pues que Freddy Krueger es un 50% maquillaje y un 50% la interpretación de Englund, sin el cual el personaje no poseería vida. Krueger se convertiría en lo más importante de su carrera, y eso que un año antes se había hecho célebre gracias a la exitosa serie de televisión “V”.



Para el resto del reparto, el director lo tuvo más claro. Heather Langenkamp sería la protagonista Nancy, su particular reina del grito, escogida gracias a su aspecto de la vecina de al lado. Como secundario ilustre encontramos a John Saxon, un clásico del terror y la ciencia-ficción y de la televisión que interpretaría al sheriff de Springwood, donde se desarrolla la historia, y padre de Nancy. Y en su primer papel en cine tenemos a un jovencísimo Johnny Depp, que acudió al casting para acompañar a su amigo Jackie Earle Haley, quien curiosamente es el nuevo Freddy Krueger del remake producido por Michael Bay que acaba de estrenarse en España.


El rodaje debía durar un mes, pero se atrasó debido a la presión del productor. Dos semanas antes de comenzar el rodaje, el acuerdo financiero se fue al traste, pero Shaye prometió que buscaría otro y pidió a todos que no abandonaran el rodaje a pesar de que habría retrasos en los pagos de los sueldos. Días después consiguió fondos económicos de otras fuentes en unas condiciones sobrecogedoramente precarias, lo cual llevó a ejercer una fuerte presión sobre Wes Craven para que finalizara lo antes posible la película. Para ello, Craven acudió a su amigo Sean S. Cunningham, realizador de “Viernes 13”, para que le ayudara en la filmación, habiendo hasta cinco unidades simultáneas durante el rodaje. El mismo Shaye pidió al cineasta que modificara el desenlace que figuraba en el guión por considerarlo excesivamente feliz. Quería uno más desconcertante, más intrigante y, por supuesto, más abierto para dar pie a una franquicia. Fue entonces cuando Craven tuvo la brillante idea de continuar con la pesadilla incluso hasta el final, teñirlo de un aroma a sueño que no tardaría en torcerse, en el que el malo gana y que funde la realidad y el sueño, hasta el punto de no saber en qué momento la protagonista se ha quedado dormida. Y es entonces cuando vemos a esas niñas cerrar la película del mismo modo que la abrían: con esa escalofriante canción infantil que salpica toda la acertada banda sonora de Charles Bernstein.

Cuánto se equivocaban los directivos de New Line Cinema a quienes Shaye y Craven presentaron su trabajo. Dijeron de ella que no daba miedo, algo que cambió cuando la presentaron ante el público en un pase privado. El mismo realizador John Waters, que se encontraba entre los asistentes, alabó el filme. Éste sería el primer trabajo de distribución comercial de la compañía, y les salió más que redondo. “Pesadilla en Elm Street” recaudó 25 millones de dólares solo en Estados Unidos, salvando así a la productora de la bancarrota. La crítica se rindió a sus pies, ganando entre otros el Critics Award para Wes Craven y el de mejor actuación para su actriz protagonista en el Avoriaz Film Festival.




Shaye vio una lucrativa franquicia y comenzó la realización de una serie de televisión, “Las pesadillas de Freddy”, y de secuelas que cambiaron el enfoque de la primera entrega, haciéndola más cercana al slapstick, como Sam Raimi en su “Evil Dead II”, cuya primera parte por cierto aparece en la televisión y en un póster a lo largo del filme, en una especie de intento de Craven de devolverle el homenaje que el mismo Raimi le hizo al colocar en “Posesión infernal” un cartel de “Las colinas tienen ojos”. Pero se había perdido el espíritu de la original, una película que su creador concibió como una sola película. De hecho, solamente trabajó en el guión de la tercera entrega -la más acertada y coherente de la serie, aunque su libreto lo modificaron dos originales guionistas primerizos como Chuck Russell (“La máscara”) y Frank Darabont “(Cadena perpetua”)- y en “La nueva pesadilla de Wes Craven”, un entretenido ejercicio metalingüístico de cine dentro del cine con Freddy y Nancy, y sus actores respectivos, como protagonistas. Pero como ya dije, se perdió toda la frescura de la original, especialmente en una segunda parte totalmente olvidable que echaba por tierra la iconografía propia del personaje, en la cual se vieron referencias a La Bella y la Bestia en la relación de Freddy con Nancy o a la mitología griega, especialmente en los mitos de Teseo y el Minotauro con esa Nancy introduciéndose en el laberinto del monstruo para salvar a sus seres queridos y claramente en el mito de Morfeo, aunque también en el ateísmo y la muerte de Dios, reflejada por la negación de la existencia del que se considera a sí mismo como el Dios de su propio mundo. En 2003 se atrevieron incluso a enfrentar a Freddy con Jason Voorhees en “Freddy vs. Jason”, todo un acierto de película para mi gusto por respetar los particulares universos de ambos personajes y fundirlos de manera convincente.

Una película original, repleta de matices, que ha perdido con el tiempo menos que otras obras de Craven, y que nos dejará para siempre uno de los mejores psychokillers de la historia del cine, uno de los que más ha calado en el colectivo social. Porque Freddy es como el Hombre del Saco: los niños saben de su existencia, que habita en tus peores pesadillas.

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martes, 27 de julio de 2010

LA CRÍTICA

Las vidas posibles de Mr. Nobody ****1/2

Es tan difícil resumir y analizar la última película de Jaco Van Dormael que no sabría ni por dónde empezar. De hecho, debe haber sido tan complicado tejer semejante historia que el realizador ha dejado pasar trece años entre su anterior trabajo y el que nos llega ahora. Pero esto no es raro en su filmografía, compuesta de menos de una decena de títulos en tres décadas, dada la meticulosidad con la que afronta cada proyecto el artífice de la magnífica "Totó, el héroe".

No sabría si empezar contando la historia como la de un anciano que en el año 2092 analiza cada una de las elecciones de su vida y explora los caminos que cada una pudo haberle proporcionado, o la de un padre de familia que de repente se ve perdido en múltiples realidades y transportado a otro lugar atemporal donde tiene otra esposa y otros hijos, o bien como la historia de amor entre dos hermanastros con claras referencias a "Los amantes del círculo polar" de Medem. Y la conclusión a la que he llegado es que no importa con qué sinopsis me quede, pues todas son igualmente correctas y tan válidas como las elecciones que Mr. Nobody tiene que hacer en la vida, ya traigan desgracias o grandes momentos.


No es de extrañar que haya pasado tanto tiempo hasta que el cineasta belga nos presente esta lúcida y convincente, a ratos bastante grandilocuente, película que flirtea con la ciencia-ficción y la metafísica hasta límites insospechados, encaminando todos sus géneros y explicaciones posibles hacia la idea de la importancia de la elección en la vida del ser humano. Van Dormael confunde inteligentemente al espectador con infinidad de teorías posibles para la trama, cuando lo realmente importante es mucho menos científico que todo eso junto.


"Las vidas posibles de Mr. Nobody", pese a alargarse quizá en exceso en su metraje, está llamada a ser un clásico de la ciencia-ficción desde ya mismo, una película para reflexionar. Seguramente conseguirá lo que otros clásicos como "Blade Runner" o "2001: Una odisea del espacio", incluso otros recientes como la televisiva "Lost", consiguieran en su momento. Ya sea hablando de universos paralelos, del efecto mariposa, de la teoría de las cuerdas, de casualidades y destino o de algo tan básico como la dificultad para diferenciar entre realidad y ficción, todas ellas tienen en común con la que nos ocupa que ésta recoge todos estos temas y los hace propios, los hace encajar a la perfección en la historia y nos despista como en el mejor McGuffin de Hitchcock para que no nos centremos en la verdadera naturaleza de la historia, la que debería hacer correr ríos de tinta y generar debate durante años.


Vale, me he liado un poco al exponer las ideas, pero ya avisé que es muy complicado analizar la obra tan compleja que el director nos presenta. Por ello, aparte de su fascinante planteamiento y cómo lo desarrolla, con un cúmulo de imágenes hipnóticas de una belleza inimaginable y de una imaginación desbordante, me voy a ir al apartado técnico, algo más cinematográfico. Y encima en este sentido la película acierta de lleno. Fotografía, guión, efectos especiales, banda sonora, maquillaje, montaje y actuación -a destacar la más que correcta caracterización de Jared Leto, en especial la de ese anciano que parece haber salido del tramo final del Keir Dullea del film de Kubrick- brillan con luz propia en este inclasificable relato de oportunidades que merece ser visto una y otra vez para captar sus múltiples matices. Podemos permitir a Van Dormael otra ausencia de más de una década si el resultado es tan impecable como este.

A favor: prácticamente todo
En contra: se alarga demasiado

domingo, 25 de julio de 2010

Las 50 mejores películas gays de la historia del cine


En 2008, la web AfterElton.com realizó una votación de las mejores películas gays de la historia del cine. De un total de 570, la página publicó finalmente 50 de ellas, entre las que se encontraban mayoritariamente dramas, aunque incluso una discutible comedia teen se colaba en la lista. La argentina “Plata quemada” y la española “La mala educación” también figuran, aunque en puestos demasiado atrasados para mi gusto, e incomprensiblemente “Philadelphia” se sitúa en el puesto 26. ¿Y la vencedora? Pues demasiado obvio, “Brockeback Mountain”, de Ang Lee, quien además coloca otro título más en la selección. Les invito a conocer la lista, de la cual 1/3 de los filmes escogidos son de fuera de Estados Unidos y la inmensa mayoría posteriores a los 80.


1. Brockeback Mountain (2005)
2. Beautiful Thing (1996)
3. Shelter (2007)
4. Latter Days (2003)
5. Maurice (1987)
6. Trick (1999)
7. Get Real (1998)
8. Big Eden (2000)
9. The Broken Hearts Club: A Romantic Comedy (2000)
10. Las aventuras de Priscilla, reina del desierto (1994)
11. Longtime Companion (1990)
12. Torch Song Trilogy (1988)
13. My Beautiful Laundrette (1985)
14. Parting Glances (1986)
15. Just a Question of Love (2000)
16. Mysterious Skin (2004)
17. Sommersturm (Summer Storm) (2004)
18. The Rocky Horror Picture Show (1975)
19. Una jaula de grillos (The Birdcage) (1996)
20. Sordid Lives (2000)
21. Hedwig and the Angry Inch (2001)
22. Shortbus (2006)
23. All over the guy (2001)
24. Another Gay Movie (2006)
25. Boys in the band (1970)
26. Philadelphia (1993)
27. A Wong Foo, ¡gracias por todo! Julie Newmar (1996)
28. Boy Culture (2006)
29. El banquete de boda (The Wedding Banquet) (1993)
30. C.R.A.Z.Y (2005)
31. Mi Idaho privado (My own private Idaho) (1991)
32. Jeffrey (1995)
33. The Trip (2002)
34. Edge of seventeen (1998)
35. Priest (1994)
36. In & Out (1997)
37. Eating Out (2004)
38. Velvet Goldmine (1998)
39. Angels in America (2003)
40. Love! Valour! Compassion! (1997)
41. The Sum of Us (1994)
42. Plata Quemada (2000)
43. Transamerica (2005)
44. Victor Victoria (1982)
45. Bent (1997)
46. Yossi and Jagger (2002)
47. La mala educación (2004)
48. Dioses y monstrous (Gods and Monsters) (1998)
49. Making Love (1992)
50. Rent (2005)

Pueden consultar la lista y las películas en el siguiente enlace.

sábado, 24 de julio de 2010

LA CRÍTICA

Toy Story 3 ****

Juguetes a otro nivel

Si “Toy Story 2” comenzaba con las aventuras virtuales de Buzz Lightyear en su lucha contra la amenaza del malvado emperador Zurg, con referencia a “El Imperio contraataca” final, “Toy Story 3” lo hace llevando el universo propio de estos juguetes a otro nivel. Lo que comienza siendo un western en toda regla con el sheriff Woody y el Sr. Patata como enemigos a bordo de un tren acaba convirtiéndose en una de ciencia-ficción con un Rex agrandado para su particular deleite y el cerdo Hamm usando los monos rojos como una plaga que devora todo a su paso.

En esta segunda secuela todo está a otro nivel. Si la anterior era pura simpatía animada y poco más, y nunca a la altura de la original, esta vez se han tomado el producto de una manera menos infantil. Y es que en quince años mucho ha llovido, y sin John Lasseter tras la cámara, Lee Unkrich ha realizado un producto más acorde con la seriedad de los últimos trabajos de Pixar, pero sin olvidar como siempre que estamos ante una película que deben disfrutar también los más pequeños.


“Toy Story 3” aprovecha el universo creativo de las dos anteriores y lo expande, le hace alcanzar cotas de originalidad hasta ahora nunca vistas en la saga. Incluso se permite el lujo de justificar la ausencia de algunos personajes, como si de actores de verdad con problemas de contrato se tratara. Y lo más importante, pone el broche de oro a una historia que comenzaba con la amenaza que un nuevo juguete representa para el protagonista, amo absoluto de la infancia de Andy, y acaba con este teniendo que tomar la difícil decisión de avanzar y alcanzar la madurez sin sus queridos muñecos. Una historia que continúa y acaba de una manera tan lógica y sentimental que puede hacer que el espectador suelte la lágrima en su tramo final –reconozco que estuve a punto de hacerlo-.


Lo que hay en medio es puro entretenimiento y, por qué no decirlo, cine con mayúsculas, el tipo de cine al que Pixar ya nos tiene acostumbrados. En un claro homenaje a “La gran evasión” y otros filmes de fuga que se precien, nuestros protagonistas tendrán que escapar de una guardería convertida en una pesadilla por el oso Lotso Abracitos, carismático villano de aspecto externo angelical pero mente retorcida. Geniales momentos de humor –el Sr. Patata convertido por fin en un tubérculo con extremidades y ojos, el Buzz flamenco- y originalidad –el papel del mono que todo lo ve y ese Ken bien cargado de modelitos y reticente a considerarse un juguete para niñas- rellenan esta imprescindible tercera entrega a la altura de la primera, y que esperemos sea el punto y final a una trilogía de animación célebre, que no necesita continuidad más allá del estupendo desenlace que le han dado.

A favor: el estupendo final para una trilogía
En contra: sigo sin soportar el personaje de Jessie

jueves, 22 de julio de 2010

El corto cinéfago: "Amblin'"


Retomo el corto cinéfago con la que fue la carta de presentación de todo un icono cinematográfico actual, Steven Spielberg. En 1968, antes de convertirse por derecho propio en el Rey Midas de Hollywood, Spielberg dirigió este cortometraje en 35mm. (hasta entonces solo había hecho trabajos en 8mm.) que le abriría las puertas de la televisión de mano de la Universal, que hizo un contrato con el realizador, de 22 años, para realizar tv movies. Lo que vino después es de sobra conocido: primero despuntó con "El diablo sobre ruedas (Duel)" y luego se comería literalmente las taquillas de todo el mundo con "Tiburón".

Aparte de dar nombre a su posterior productora, "Amblin'" es una película de arte y ensayo, muy influida por el cine liberal de finales de los 60 y principios de los 70, estilo "Easy Rider", que cuenta una historia de amor y descubrimiento personal a ritmo de música, sin diálogos, con el desierto de California como escenario de una road movie con reminiscencias al western. Pese a los errores típicos en un cineasta primerizo, Spielberg demostró apuntar maneras y su talento para la dirección. Siento que la copia que les facilito sea en VHSRIP, pero la calidad no es muy mala que digamos.

Descar directa [by Nacho.herrmann][348.91MB]
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lunes, 19 de julio de 2010

LA CRÍTICA

Shrek, felices para siempre ***

... y comieron perdices, por fin

“Shrek” fue un soplo de aire fresco para la animación, otorgando esperanzas de que pudiera haber vida más allá de Pixar. Una película que solventaba sus deficiencias técnicas con una buena dosis de irreverencia, incorrección política y mala baba, sin olvidar nunca que se trataba de un producto familiar. Su secuela partía con un importante obstáculo: los personajes ya eran conocidos por todos y la originalidad de la primera brillaría por su ausencia. Pero Andrew Adamson, retirado en aquel momento de la dirección pero presente en el guión, y su equipo de habituales llevaron el producto a buen puerto. Pese a los impedimentos que le permitían estar a la altura de su predecesora, “Shrek 2” mantuvo el tipo. Era un filme de animación divertido, ameno, original a su manera, casi redondo en todos los sentidos, pero alejado de su modelo.


Y llegamos al momento en que la saga comenzó a torcerse. “Shrek Tercero” cayó sin remedio en el infantilismo más exagerado. Repetía villano, el esquema de las dos anteriores, incluso el desarrollo de la trama era similar; no se le sacaba ningún jugo a los personajes, ya fuera a los de siempre o a los nuevos, el loco Merlín y el insoportable príncipe Arturo (¿será por insoportable que han decidido no incluirle en esta parte?), y ni siquiera poseía un número musical final que pedía a gritos el soso conjunto. El público y la crítica lo notaron, y la confianza se había perdido. ¿La razón de este despropósito? Pues posiblemente que el equipo de las dos primeras ya no estaba presente, ni en el guión ni en la producción.


Así que se hacía necesario poner punto y final a la saga. Por suerte, podemos decir que “Shrek, felices para siempre” es notablemente superior a la tercera, aunque sigue lejos de las dos primeras. Hay un villano carismático que cambia de pelucas como de estados de ánimo, volvemos a disfrutar del excelente dúo Asno/Gato, tenemos un número musical final de despedida, tiene gags remarcables y aprovecha el concepto de realidad alternativa para ofrecer algo novedoso y sacarle partido a su favor (una Fiona guerrera, un gato con botas de retiro y con michelines, etc.).


A medio camino entre el cine simpático e infantil de animación y la inteligencia que se le presupone al ogro verde, esta cuarta entrega es, sobre todo, muy divertida, algo que se agradece teniendo en cuenta el desaguisado de “Shrek Tercero”. Pero en el conjunto seguimos, al igual que su protagonista, añorando a aquel irreverente ogro que dio la vuelta a todos los cuentos habidos y por haber. La saga nunca debió pasar de la segunda. Es más, jamás debió conocer secuelas. Pero mirémoslo por el lado bueno, éstas han ayudado a engrandecer y convertir en clásico aquella primera aventura.

A favor: las posibilidades que da la realidad alternativa, y que sea la última de la saga
En contra: definitivamente hace tiempo que se perdió la frescura de la primera entrega

martes, 13 de julio de 2010

LA CRÍTICA

El equipo A ***
(The A-Team)

Analizando solamente dos películas diametralmente opuestas en intenciones y forma como las estupendas “Narc” y “Ases Calientes” podemos intuir cómo la carrera de Joe Carnahan ha perdido en contención formal para dar paso a un espectáculo hiperviolento sobrecargado de testosterona y estética de comic noir, personajes llevados al límite del absurdo y un ritmo endiablado. Es al Carnahan de la segunda y no al de la primera al que la adaptación de “El equipo A”, todo un icono ochenteno para una generación entera de televidentes fanáticos, aclamaba a gritos y eso justifica que haya sido el elegido para llevarla a buen puerto.

Aquella generación de los 80 que creció con “MacGyver”, “V” o la que nos ocupa se ha hecho mayor, pasando de ser los chavales de entonces a treintañeros muy dados a la nostalgia. Y además, si algo juega a favor de esta adaptación es que, a diferencia de las citadas y como le ocurre a “El coche fantástico”, este producto se vio revitalizado gracias a las reposiciones en la pequeña pantalla. Pero el director, haciendo gala de un gran sentido común, prefiere lo que se hizo en “Mission: Impossible” o “Los Ángeles de Charlie”: dejar de lado su modelo y dar un nuevo enfoque al producto que tiene entre manos. Y el enfoque tomado por Carnahan ha ido más por el camino del trabajo de McG que por el de Brian de Palma. Para entendernos, que ha preferido ir hacia la acción descerebrada sin mayor pretensión que la del divertimento puro y duro.

Aplaudo esta decisión, pues como dije antes “El equipo A” necesitaba alguien con el pulso de este cineasta, alguien que prefiriera divertir antes que aleccionar. Esto no quiere decir que la película se aleje del todo de su referente: ahí tenemos a ese B.A. Barracus que tiene miedo a volar; esa furgoneta tan característica que aunque dure poco en pantalla nos hace añorar tiempos distintos; la frase final que servía de introducción para la serie, el tema central de la misma y unos cameos inesperados tras los créditos que juegan a despertar la nostalgia del espectador. Para colmo tenemos a un cuarteto de actores que por separado cumple con creces con su cometido. Liam Neeson es el perfecto sucesor del Hannibal de George Peppard; Quinton “Rampage” Jackson es un B.A. Barracus más sonriente y menos duro que el original pero prácticamente idéntico en lo demás; Sharlto Copley pone la dosis justa de locura a su particular Murdock y Bradley Cooper juega con su sonrisa y sus armas de seducción para encarnar a Fénix. Juntos no están a la altura del equipo original, pero en la nueva adaptación quedan bien en pantalla como el escuadrón recién salido de Irak –los tiempos que corren han hecho cambiar una guerra por otra- que se gana la vida como soldados de fortuna.


Carnahan recurre a su obra anterior para presentar a sus personajes a un ritmo frenético y mediante el montaje paralelo durante los primeros minutos de metraje y como anticipo de lo que vendrá después, un amasijo de secuencias de acción exageradas e imposibles y humor a raudales donde lo de menos es el guión y el desarrollo de personajes convincentes, aunque para eso se domestica a sí mismo y elimina dosis de hemoglobina y violencia en pos de una mayor recaudación. Porque el cineasta, el cual esperemos que no se haya vendido del todo y vuelva a su cine anterior, es listo, sabe lo que se trae entre manos y que lo que prima es ver en acción a su equipo A y hacer que el público se divierta. Aquí lo que importa es el entretenimiento que se olvida nada más salir de la sala. ¿Acaso esperaban una adaptación seria? Si lo fuera, perdería totalmente el espíritu de su madre catódica.

A favor: entretiene, y eso es lo que importa
En contra: no aguantaría un pulso con su modelo

viernes, 9 de julio de 2010

Nominaciones Emmy 2010


Por fin se ha hecho pública la lista de nominados a los Emmy, los Oscar de la pequeña pantalla. Y salvo por poseer seis en lugar de cinco candidatos por categoría y por haber dejado colarse al episodio final de "Lost, "The End", en las nominaciones a pesar de su duración, lo cierto es que es todo más de lo mismo. "Mad Men" como favorita para drama por tercer año consecutivo, "Glee" haciendo lo propio en comedia, y actores como Bryan Cranston ("Breaking Bad"), Steve Carell ("The Office"), Alec Baldwin ("30 Rock"), Tina Fey ("30 Rock") o Hugh Laurie ("House"), entre otros muchos, como candidatos en interpretación. ¿La gran alegría? La presencia masiva de "Lost", incluidos Terry O'Quinn y Michael Emerson rivalizando como secundarios. y de la aclamada miniserie "The Pacific". ¿Las incorporaciones? La muy recomendable "Modern Family" y Matthew Fox como protagonista de "Lost" (ya era hora). ¿Las ausencias? "24", que se despide para siempre de la televisión con nominaciones en apartados técnicos. Y para que luego digan que trabajar en televisión es dar un paso atrás en tu carrera, ahí tenemos a Al Pacino, Judi Dench, Jeff Bridges, Dennis Quaid, Susan Sarandon e Ian McKellen. A continuación la lista completa.

Mejor comedia
Curb Your Enthusiasm
Glee
Modern Family
Nurse Jackie
The Office
30 Rock

Mejor serie dramática
Breaking Bad
Dexter
The Good Wife
Lost
Mad Men
True Blood

Mejor miniserie
The Pacific
Return To Cranford

Mejor actor principal de comedia
Jim Parsons ("The Big Bang Theory")
Larry David ("Curb Your Enthusiasm")
Matthew Morrison ("Glee")
Tony Shalhoub ("Monk")
Steve Carell ("The Office")
Alec Baldwin ("30 Rock")

Mejor actriz principal de comedia
Lea Michelle ("Glee")
Julia Louis-Dreyfus ("The New Adventures of Old Christine")
Edie Falco ("Nurse Jackie")
Amy Poehler ("Parks and Recreation")
ina Fey ("30 Rock")
Toni Collette ("United States of Tara")

Mejor actor principal de drama
Bryan Cranston ("Breaking Bad")
Michael C. Hall ("Dexter")
Kyle Chandler ("Friday Night Lights")
Hugh Laurie ("House")
Matthew Fox ("Lost")
Jon Hamm ("Mad Men")

Mejor actriz principal de drama
Kyra Sedgwick ("The Closer")
Glenn Close ("Damages")
Connie Britton ("Friday Night Lights")
Juliana Margulies ("The Good Wife")
Mariska Hargitay ("Law & Order: SVU")
January Jones ("Mad Men")
Mejor actor principal de miniserie o película
Jeff Bridges ("A Dog Year")
Ian McKellen ("The Prisoner")
Michael Sheen ("The Special Relationship")
Dennis Quaid ("The Special Relationship")
Al Pacino ("You don't know Jack")

Mejor actriz principal de miniserie o película
Maggie Smith ("Capturing Mary")
Joan Allen ("Georgia O'Keeffe")
Judi Dench ("Return to Cranford")
Hope Davis ("The special relationship")
Claire Danes ("Temple Grandin")

Mejor actor secundario de comedia
Chris Colfer ("Glee")
Neil Patrick Harris ("How I Met Your Mother")
Jesse Tyler Ferguson ("Modern Family")
Eric Stonestreet ("Modern Family")
Ty Burrell ("Modern Family")
Jon Cryer ("Two and a Half Men")

Mejor actriz secundaria de comedia
Jane Lynch ("Glee")
Julie Bowen ("Modern Family")
Sofia Vergara ("Modern Family")
Kristen Wiig (Saturday Night Live")
Jane Krakowski ("30 Rock")
Holland Taylor ("Two And A Half Men")

Mejor actor secundario de drama
Aaron Paul ("Breaking Bad")
Martin Short ("Damages")
Terry O'Quinn ("Lost")
Michael Emerson ("Lost")
John Slattery ("Mad Men")
Andre Braugher ("Men of a Certain Age")

Mejor actriz secundaria de drama
Sharon Gless ("Burn Notice")
Rose Byrne ("Damages")
Archie Panjabi ("The Good Wife")
Christine Baranski ("The Good Wife")
Christina Hendricks ("Mad Men")
Elisabeth Moss ("Mad Men")

Mejor actor secundario de miniserie o película
Michael Gambon ("Emma")
Patrick Stewart ("Hamlet")
Jonathan Pryce ("Return to Cranford")
David Strathairn ("Return to Cranford")
John Goodman ("You don't know Jack")

Mejor actriz secundaria de miniserie o película
Kathy Bathes ("Alice")
Julia Ormond ("Temple Grandin")
Catherine O'Hara ("Temple Grandin")
Brenda Vaccaro ("You Don't Know Jack")
Susan Sarandon ("You Don't Know Jack")

Mejor actor invitado de comedia
Mike O'Mailey ("Glee")
Neil Patrick Harris ("Glee")
Fred Willard ("Modern Family")
Eli Wallach ("Nurse Jackie")
Jon Hamm ("30 Rock")
Will Arnett ("30 Rock")

Mejor actor invitada de comedia
Christine Baranski ("The Big Bang Theory")
Katryn Joosten ("Desperate Housewives")
Kristin Chenoweth ("Glee")
Tina Fey ("Saturday Night Live")
Betty White ("Saturday Night Live")
Elaine Stritch ("30 Rock")
Jane Lynch ("Two And A Half Men")

Mejor actor invitado de drama
Beau Bridges ("The Closer")
Ted Danson ("Damages")
John Lithgow ("Dexter")
Alan Cumming ("The Good Wife")
Dylan Baker ("The Good Wife")
Robert Morse ("Mad Men")
Gregory Itzin ("24")

Mejor actriz invitada de drama
Mary Kay Place ("Big Love")
Sissy Spacek ("Big Love")
Shirley Jones ("The Cleaner")
Lily Tomlin ("Damages")
Ann-Margret ("Law & Order: SVU")
Elizabeth Mitchell ("Lost")

Mejor dirección para una serie de múltiples cámaras
The Big Bang Theory ("The Gothowitz deviation")
Hell's Kitchen ("Episode 615")
How I Met Your Mother ("Duel citizenship")
The New Adventures of Old Christine ("Subway, somehow")
Rules of Engagement ("3rd wheel")

Mejor dirección para una serie de una cámara
Glee ("Pilot")
Heroes ("Brave New World")
Lost ("Ab Aeterno")
Modern Family ("Moon landing", "Fears")
True Blood ("Never let me go", "I will rise up", "Frenzy")
The Tudors ("Episode #407")

Mejor dirección para miniserie o película
Georgia O'Keefe
The Pacific
Return to Cranford
Temple Grandin
You don't know Jack

Mejor reparto de comedia
Glee
Modern Family
Nurse Jackie
30 RockUnited States of Tara

Mejor reparto de drama
Big Love
Dexter
Friday Night Lights
The Good Wife
Mad Men
True Blood

Mejor reparto para miniserie o película
Emma
Georgia O'Keefe
The Pacific
Temple Grandin
You don't know Jack

Mejor guión de comedia
Glee ("Pilot")
Modern Family ("Pilot")
The Office ("Niagara")
30 Rock ("Anna Howard Shaw Day")
30 Rock ("Lee Marvin Vs Derek Jeter")

Mejor guión de drama
Friday Night Lights ("The Son")
The Good Wife ("Pilot")
Lost ("The End")
Mad Men ("Guy Walk into an advertising agency")
Mad Men ("Shut the door, have a seat")

Mejor guión de miniserie
The Pacific ("Part 8")
The Pacific ("Part 10")
The Special Relationship
Temple Grandin
You Don't Know Jack
Mejor cinematografía para serie de media hora
Gary Unmarried ("Gary shoots fish in a barrel")
Hung ("Pilot")
Nurse Jackie ("Apple bong")
30 Rock ("Season four")
Two And A Half Men ("Crude and uncalled for")
Weeds ("A modest proposal")

Mejor cinematografía para serie de una hora
Breaking Bad ("No más")
CSI ("Family Affair")
FlashForward ("No more good days")
Mad Men ("Shut the door, have a seat")
The Tudors ("Episode 410")

Mejor cinematografía para miniserie o película
The Pacific ("Part 5")
The Pacific ("Part 9")
The Prisoner ("Checkmate")
Return to Cranford ("Part 2")
You Don't Know Jack ("Bee holder")

Mejor vestuario para una serie
Glee ("The power of Madonna")
The Good Wife ("Crash")
Mad Men ("Souvenir")
30 Rock ("I do do")
The Tudors ("Episode 408")

Mejor reparto para miniserie o película
Emma ("Part 2")
Georgia O'Keefe ("Lifetime")
The Pacific ("Part 3")
Return to Cranford ("Part 2")
You don't know Jack ("Bee holder")

Mejor dirección de comedia
Glee ("Pilot")
Glee ("Wheels")
Modern Family ("Pilot")
Nurse Jackie ("Pilot")
30 Rock ("I do do")
Mejor dirección de drama
Breaking Bad ("One minute")
Dexter ("The getaway")
Lost ("The end")
Mad Men ("Guy enters into an advertising agency")
Treme ("Do you know what it means?")

Mejor dirección de miniserie o película
Georgia O'Keefe ("Lifetime")
The Pacific ("Part 8")
The Pacific ("Part 9")
Temple Grandin
You don't know Jack ("Bee holder")

Mejor edición para drama de una cámara
Breaking Bad ("No más")
Dexter ("The Getaway")
Lost ("The End")
Mad Men ("The gypsy and the hobo")
Mad Men ("Guy enters into an advertising agency")

Mejor edición de comedia
Curb Your Enthusiasm ("The table read")
Curb Your Enthusiasm ("The bare midriff")
Modern Family ("Pilot")
Modern Family ("Family portrait")
30 Rock ("Dealbreakers talk show #0001")

Mejor edición para una miniserie o película
The Pacific ("Part 8")
The Pacific ("Part 9")
The Pacific ("Part 5")
Temple Grandin
You don't know Jack ("Bee holder")

Mejor peluquería para serie de una cámara
Castle ("Vampire weekend")
Glee ("The powe of Madonna")
Glee ("Hairography")
Mad Men ("Souvenir")
The Tudors ("Episode 407")

Mejor peluquería para serie de múltiples cámaras o especial
82nd Annual Academy Awards
Dancing With The Stars
How I Met Your Mother ("Dopplegangers")
Saturday Night Live
Two And A Half Men ("That's what they call it ballroom")

Mejor logro creativo interactivo
Dexter interactive
Glee hyperpromo and superfan
Star Wars: Uncut

Mejor diseño de cabecera
Bored To Death
Human Target
Nurse Jackie
The Pacific
Temple Grandin

Mejor maquillaje no prostético para serie de una cámara
Castle ("Vampire weekend")
Glee ("The power of Madonna")
Glee ("Theatrically")
Mad Men ("Souvenir")
Grey's Anatomy ("Suicide is painless")

Mejor maquillaje no prostético para serie de múltiples cámaras
82nd Annual Academy Awards
The Big Bang Theory ("The electric can opener fluctuation")
Dancing With The Stars
Saturday Night Live
So You Think You Can Dance

Mejor maquillaje no prostético para miniserie o película
Georgia O'Keeffe
The Pacific
Temple Grandin
You don't know Jack

Mejor maquillaje prostético
Castle ("Vampire weekend")
Grey's Anatomy ("How insensitive")
Nip / Tuck ("Enigma")
The Pacific
True Blood ("Scratches")

Mejor banda sonora para una serie
Michael McCuistion (Batman: The brave and the bold)
Ramin Djawadi (FlashForward, "No more good days")
Michael Giacchino (Lost, "The end")
Adam Cohen (Psych, "Mr. Yin presents")
Sean P. Callery (24, "3:00PM - 4:00PM")

Mejor banda sonora para miniserie
Todd Boekelheide (Blessed is the match)
Jeff Beal (Georgia O'Keeffe)
Hans Zimmer (The Pacific)
Alex Wurman (Temple Grandin)
Lawrence Shragge (When love is not enough)
Marcelo Zarvos (You don't know Jack)

Mejor composición original
Family Guy, ("Extra large medium")
How I Met Your Mother ("Girls vs. suits")
Monk ("Mr Monk and the end part II")
Rescue me ("Disease")
Saturday Night Live ("Host: Blake Lively")
Treme ("I'll fly away")

Mejor composición de cabecera
Human Target
Justified
Nurse Jackie
Parks and Recreation
Warehouse 13
Mejor edición de sonido
Breaking Bad ("One minute")
Fringe ("White Tulip")
Lost ("The End")
True Blood ("Beyond Here Lies Nothin'")
24 ("4:00AM - 5:00AM")

Mejor edición de sonido para miniserie o película
Alice
Moonshot
The Pacific
Temple Grandin
Mejor mezcla de sonido para serie de una hora
Dexter ("Hello, Dexter Morgan")
Glee ("The Power Of Madonna")
House ("Epic Fail")
Lost ("The End")
24 ("3:00PM - 4:00PM")
Mejor mezcla de sonido para miniserie
The Pacific ("Part 2")
The Pacific ("Part 5")
The Pacific ("Part 8")
The Pacific ("Part 9")
Mejor mezcla de sonido para serie de media hora
Entourage ("One car, two car, red car, blue car")
Modern Family ("En garde")
The Office ("Niagara")
30 Rock ("Argus")
Two And A Half Men ("Fart jokes, pie and celeste")

Mejores efectos especiales en una serie
Caprica ("There is another sky")
CSI: ("Family affair")
Stargate Universe ("Air")
Stargate Universe ("Space")
V ("Pilot")

Mejores efectos especiales para una miniserie
Ben 10: Alien swarm
The Pacific ("Part 1")
The Pacific ("Part 5")
Virtuality

Mejor coordinación de escenas de acción
Chuck ("Vs the tic tac")
FlashForward ("No more good days")
House ("Brave Heart")
Human Target ("Run")
24 ("6:00PM - 7:00PM")
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